Pose-to-Pose Animation: En trin-for-trin vejledning for begyndere

Inden digital animation skulle animatorer tegne hvert træk fra bunden. De udviklede en metode kaldet pose-to-pose animation, en systematisk tilgang, der hjalp dem med at levere mange af de mest berømte animerede produktioner nogensinde.

Her er en oversigt over, hvad pose-til-pose-animation er, og hvordan du selv kan prøve teknikken.

Hvad er Pose-to-Pose-animation?

Når man animerer pose-to-pose, er størstedelen af ​​animatorens tid og kræfter afsat til at tegne "nøglen" -taktene i en scene-en forvirret karakter, der får øjenkontakt med kameraet, eller kong Arthur holder Excalibur højt over ham, når han frigør det fra sten.

Med disse vigtige rammer allerede taget hånd om, begynder scenen at samles og tage form. I studiosammenhæng bliver animatorer på juniorniveau derefter bedt om at udfylde hullerne med in-betweens, der bærer publikum gennem hvert slag. Under andre omstændigheder går den originale animator ganske enkelt tilbage i sig selv. Uanset hvad, er en komplet animation resultatet.

Hvorfor animere Pose-to-Pose?

Pose-to-pose sætter scenen for stor animation af et par grunde-den førnævnte faktor for planlægning er et stort salgsargument. En anden er tildeling af kreativ energi. Hvad er forskellen mellem at bruge en time på en tegning og bruge fire timer på 200 tegninger?

I sidstnævnte tilfælde vil de første tegninger sandsynligvis være omtrent lige så gode som dem, der er tegnet i den tidligere sag. Efter et par timer vil mange af os dog naturligvis miste lyst.

For de mest dramatiske og spændende øjeblikke i en animation er det fornuftigt at koncentrere dine bestræbelser og delegere det mere mekaniske arbejde med mellemliggende til andre eller til os selv på et senere tidspunkt.

Anatomi af en pose-til-pose-sekvens

Der er et par ingredienser, som de fleste eksempler på pose-to-pose animation vil omfatte. Lad os gå over hver af dem.

Nøgleposerne

Disse "miniaturer" vil normalt være de øjeblikke, der formidler mest mening og følelser. En pludselig erkendelse, toppen af ​​et vredt udbrud eller den anden, at en karakter lander efter at være faldet ned af en klippe, kvalificerer sig alle.

In-Betweens

Hvis armen er oppe i den første pose og ned i den anden, skal du fylde mellemrummet med mindst en ramme, hvor armen er et sted i midten. Jo flere rammer der befolker dette mellemrum, jo ​​glattere vil animationen ende med at se ud.

Sammenbrudene

Daisy-chaining hver keyframe straight-up kan fungere, hvis du animerer noget meget enkelt. Efter et par sekvenser uafbrudt af nogen form for sekundær handling eller pause, vil du dog føle en følelse af "rastløshed". Sammenbrud giver dit publikum den resten, de har brug for, når de fordøjer din animation.

De fungerer som "nøglerammer" mellem nøglerammer. Inden et tegn reagerer på noget, kan det gyse, hoppe eller blinke. Disse små handlinger forbedrer deres ydeevne, hvilket gør dem mindre kedelige.

Relaterede: De bedste tegne- og malerapps til Android

Sådan praktiseres Pose-to-Pose-animation

Dine tre vigtigste prioriteter som animator: timing, afstand og konsistens. Pose-to-pose animation er den perfekte teknik for en nybegynder, der ønsker at styrke deres færdigheder på alle tre områder.

Når du først starter, er der intet som at lære af mestrene. Googling af navnet på din yndlings tegneseriefigur efterfulgt af sætningen "modelark" vil sandsynligvis trække en skattekiste med teknisk instruktion om, hvordan man konstruerer karakteren professionelt.

Hvis det ikke gør det, anbefaler vi et klassisk Mickey Mouse -modelark. Når du har fundet en, du kan lide, skal du fyre din valg af animationsprogram.

1. Vælg to nøgleposer

Når du har valgt dine positurer, skal du tegne dem ud på to forskellige rammer. Gør så stor indsats i disse nøgletegninger som muligt. Kvalitet på dette stadium er afgørende.

Her kan du se, at vi har holdt tingene meget enkle. Når vi bladrer gennem dem frem og tilbage, bliver det klart, at to rammer ikke er nok til at fortælle denne lille historie. For at oprette en loopable animation, vil vi kopiere den første keyframe og sætte en anden forekomst efter vores anden keyframe pose. Videre til næste fase.

2. Tilføj en opdeling (eller flere)

Afbryd denne enkle progression med noget midt i de to første poser.

Nu rykker Mickey tilbage, før han boggler. Knæene bøjer, og hans skuldre er trukket op omkring hans hals. Når man spiller dette igennem, føles sekvensen meget bedre end bare de to keyframe -stillinger alene, men der er stadig en følelse af noget... mangler. I tilfælde som disse vil en anden sammenbrud undertiden være en passende løsning.

Lad os flytte denne første sammenbrud tilbage til et hår. I stedet for at hoppe lige til den anden keyframe -pose, kan vi få ham til at hoppe lidt op, inden han lander i hans ansigtspalm. Vi kan også skubbe den anden nøglepose og den sidste ramme tilbage for mere vejrtrækningsrum.

Gå nu igennem din egen korte sekvens. Hvis handlingen føles solid, er det bare at udfylde mellemrummene mellem det, du allerede har.

3. Tegn nogle in-Betweens

Vi anbefaler, at du tegner din første mellemting nøjagtigt midt i mellemrummet og adskiller de to første nøglerammer på din tidslinje, herunder sammenbrud.

Når du har noget, der forbinder dem, kan du se det et par gange og fortsætte med at udfylde emnerne, indtil alt begynder at hænge sammen. Denne del vil være selvforklarende, især hvis du har løgskindsoverlejringer aktiveret i ethvert animationsprogram, du bruger. Alt du skal gøre er at trække hver kropsdel ​​ind mellem de analoger, der går forud og følger.

Disse løsere, mere skitserede tegninger kaldes "ru" og med rette. De skal ikke betragtes som endelige, især under denne indledende udforskende proces. Deres formål er at kortlægge sekvensen omkring hver keyframe -pose. Du vil i sidste ende gå tilbage over disse grovheder, tilføje sekundær handling og rense dem op på et tidspunkt.

Fokuser mindre på perfektion på dette stadium og mere på dine fundamentale ting-vel gengivet handling i store takter og handling, der føles autentisk.

4. Evaluer og forfiner

Efter at have taget din første pas, skal du se på, hvad du har. Hvis nogle dele føles for hurtige, kan du fortsætte med at skubbe rammer fremad, hvilket giver plads til flere mellemliggende. Det samme gælder sektioner, der trækker ud. Du er velkommen til at trække nogle dele tilbage, selv slette in-betweens, hvis det er nødvendigt.

En ting værd at nævne: du vil bemærke, at ikke alle rammer er unikke på dette tidspunkt. Vi har et par "hold" rammer; død luft, der forhindrer sekvensen i at piske for hurtigt. Disse tegnes muligvis ikke, når du fortsætter. Det hele afhænger af den stil, du går efter.

I teorien er der virkelig ingen målgang. I dette eksempel kunne vi helt sikkert gå længere - for eksempel at give ham nogle øjne eller tilføje knapperne til hans bukser. Noget vigtigt at huske er, at fantastisk animation aldrig udføres på én gang. Du kan ikke tilføje detaljer til noget amorft og uklart; et solidt fundament skal altid etableres først.

Relaterede: Begyndervejledningen til Adobe Character Animator

Beherske animationskunsten

En lille smule logik og kreativ tænkning vil gøre selv meget udfordrende scener meget mere håndterbare. Der er få scenarier, hvor pose-til-pose-animation i det mindste ikke vil belyse stien for dig.

Til sidst vil du sandsynligvis føle dig selvsikker nok til at designe din egen progression af positurer. Start med de to første, som du kan se klart, og fortsæt nøjagtigt som beskrevet her. Med disse principper i tankerne vil intet kunne stoppe dig.

Hvad er Disneys 12 principper for animation?

Disneys 12 principper for animation puster liv i tegnefilm. Lær, hvad de er, og hvordan de kan forbedre dine animationer.

Læs Næste

Om forfatteren